Por Carlos Javier Jarquín
Queridos amigos planetarios:
Les presento a la artista multidisciplinaria bielorrusa Alesia Issa, nacida en
Minsk el 23 de enero de 1993 y residente actualmente en China. Su pasión por
el arte es diversa e infinita y, a lo largo de su vida, ha sabido darle color a su
existencia, que no es más que una expresión artística digna de admiración.
Tuvo el privilegio de crecer en un hogar donde el arte formaba parte de su
cotidianidad. Desde sus primeros años surgieron sus inquietudes artísticas,
iniciadas con el dibujo. La música corre en sus venas y forma parte de su vida
artística: en su adolescencia fue primera soprano del Conjunto Folclórico
Litwins. Entre la música y la pintura, eligió estudiar pintura en la Academia
Estatal de Artes de Bielorrusia, donde obtuvo en 2018 el título de Licenciada en
Artes, con especialización en Pintura y Docencia de la Pintura. En 2019 obtuvo
una maestría en Teoría del Arte, enfocada en las bellas artes, las artes
decorativas y la arquitectura. Obras de su autoría se encuentran actualmente
en colecciones privadas y públicas de Bielorrusia, Reino Unido, Singapur,
Rusia, España, Suiza y Ecuador.
En su biografía se lee: “Su arte abarca la pintura, la gráfica, la cerámica, la
fotografía, el video, la performance y el tatuaje. Inspirada por los mitos, el
folclore y las imágenes arquetípicas, explora la belleza espiritual de las
personas, la naturaleza y el mundo cotidiano. Su obra une lo sagrado con lo
cotidiano y se adentra en narrativas del subconsciente para crear un universo
visual rico y etéreo. En 2024 y 2025 curó y participó en exposiciones
internacionales que promueven el diálogo entre artistas de distintas culturas.
Su trabajo aborda la identidad, la herencia cultural, la memoria y el vínculo
sagrado entre el ser humano y la naturaleza. Ha participado en exposiciones
colectivas y personales en Bielorrusia y el Reino Unido, entre ellas Living and
Dreaming, presentada en Londres en 2018. Ese mismo año recibió una
residencia de la Eurasian Creative Guild en Hemel Hempstead, Inglaterra,
experiencia que abrió nuevas oportunidades y conexiones en su trayectoria
artística”.
Alesia es una artista polifacética y también trilingüe, ya que habla bielorruso,
ruso e inglés. En esta charla conoceremos más de su universo artístico.
Aprovecho para invitarlos a conocer la obra de esta gran artista bielorrusa que,
a su corta edad, ha logrado un éxito notable.
¿A qué edad despertó en ti el amor por las artes visuales?
Mi amor por el arte visual comenzó cuando tenía tres años. Nací en una familia
creativa, y el dibujo, la música y la poesía convivieron a mi lado durante toda mi
infancia. Crear imágenes se convirtió en una parte natural de mi manera de
mirar el mundo y de intentar dar forma a lo que imaginaba.
Desde niña también me fascinaban la mitología, el folclore, el simbolismo
religioso y lo desconocido. Esas historias me ofrecían imágenes de cosas que
podía sentir, pero no ver. Creo que ese deseo de hacer visible lo invisible sigue
estando en el centro de mi obra.
Aproximadamente a los quince años, cuando tuve que elegir una profesión,
elegí la pintura. Más tarde recibí una formación académica en pintura y
completé una maestría en Teoría del Arte. Sin embargo, no creo que la
educación, por sí sola, me haya convertido en artista. Me dio una base y
herramientas para algo que había comenzado mucho antes.
¿Qué te ha inspirado a desarrollarte como artista interdisciplinaria,
abarcando la pintura, la gráfica, el diseño gráfico, la cerámica, la
fotografía, el video, la performance, la ilustración de libros, el tatuaje y
también la música?
Para mí, trabajar entre distintas disciplinas surgió de manera natural. Nunca he
percibido la pintura, la música, la poesía o el cine como mundos
completamente separados. Son diferentes maneras de aproximarme a una
imagen o a una experiencia que quiero comprender.
La pintura sigue siendo una base esencial de mi práctica, pero no puede
expresar todo de la manera en que yo lo necesito. Una película permite que
una imagen se despliegue en el tiempo. La música puede transportar una
emoción a través de la voz y del sonido. Un mural transforma la relación entre
una imagen, la arquitectura y las personas que habitan un espacio. Después de
mudarme a China, comencé a trabajar con la cerámica y descubrí lo que ocurre
cuando una imagen adquiere peso, volumen y textura.
Mi trabajo se fue expandiendo gradualmente a través de la ilustración, los
murales, la docencia, el video y otras formas de expresión. La música regresó a
mi vida después de haberla dejado de lado para concentrarme en la pintura.
Cada una de estas experiencias abrió una posibilidad que otro medio no podía
ofrecer de la misma manera.
Existen fundamentos compartidos, como el ritmo, la composición, la tensión y
la pausa, pero cada medio nos permite vivirlos de forma distinta. A menudo
siento que es la propia imagen la que elige lo que quiere convertirse. Mi tarea
consiste en reconocer si necesita ser una pintura, una canción, una película o
un objeto, y luego encontrar el lenguaje que le permita existir.
¿Cuáles son los temas principales que están más presentes en tu obra
artística?
Regreso una y otra vez al subconsciente, a la mitología y a esos momentos en
que una persona atraviesa una transformación interior. El amor, la muerte, el
miedo y la elección aparecen en mi obra a través de figuras y relatos que han
acompañado a la humanidad durante siglos.
Utilizo la palabra arquetipo con bastante libertad. No se limita a una definición
estrictamente junguiana. Para mí, un arquetipo es una imagen que conecta una
experiencia individual con algo colectivo, algo que puede resultar extrañamente
familiar incluso cuando lo encontramos por primera vez. El folclore bielorruso
me es especialmente cercano, pero también exploro la filosofía y las imágenes
de la India, la mitología china y japonesa, y el simbolismo religioso de distintas
tradiciones.
Una figura a la que suelo regresar es La Loba, la mujer que reúne huesos y les
devuelve la vida. Veo en ella la posibilidad de recuperar algo esencial dentro de
nosotras mismas. Adán, Eva, Lilith y las Tres Parcas también reaparecen en mi
obra, porque sus historias siguen planteando preguntas sobre nuestras propias
vidas.
Me atrae especialmente el instante justo antes de que algo cambie. En mi
pintura Eclipse, Adán mira la manzana mientras un sol negro ya se ha alzado
sobre él. Me interesa esa vacilación: ¿todavía tiene una elección, o algo ya se
ha transformado dentro de él? A través de imágenes como esta, intento
aproximarme a experiencias difíciles de explicar de manera directa. Una obra
puede conservar una memoria emocional y permitir que otra persona la
encuentre a su manera.
¿Qué representa para ti que muchas de tus pinturas formen parte de
colecciones públicas y privadas de distintos países, entre ellos
Bielorrusia, Reino Unido, Singapur, Rusia, España, Suiza y Ecuador?
Significa mucho para mí que una obra pueda salir de mi estudio y convertirse
en parte de la vida de otra persona, a veces en un lugar que nunca he visitado.
La pintura es un proceso muy íntimo. Paso tiempo con una imagen, con las
preguntas y los sentimientos que le dieron origen, y luego esta comienza una
existencia más allá de mí.
Cuando alguien decide vivir con una obra o incluirla en una colección, siento
gratitud por esa confianza. Puede que vea algo muy distinto de lo que yo vi al
crearla, y eso me parece valioso. No necesito que el espectador repita mi
interpretación. Me interesa lo que sucede entre la imagen y su propia
experiencia.
El hecho de que mis obras encuentren hogar en distintos países también se
relaciona con la idea que está detrás de mi conferencia, Arquetipos en tránsito.
Las imágenes viajan entre culturas y personas, adquiriendo nuevos significados
en el camino. Mi obra lleva algo del lugar del que vengo, pero también puede
hablarle a alguien cuya vida es muy diferente de la mía. Esa posibilidad tiene
un profundo significado para mí.
¿De qué manera ha evolucionado tu trabajo artístico en los últimos cinco
años?
En los últimos cinco años, me he vuelto más abierta a seguir una idea más allá
del medio en el que apareció por primera vez. La pintura sigue siendo central
en mi práctica, pero comprendo cada vez más mi trabajo como una
conversación entre diferentes lenguajes artísticos.
Mi formación académica me dio una relación sólida con la composición y la
forma. Con el tiempo, me he vuelto más atenta a la experiencia interior que hay
detrás de una imagen: por qué regresa, qué la vuelve inquietante y qué me
pide. Las figuras mitológicas se han convertido en una manera de explorar
esas preguntas desde mi propia experiencia.
Trabajar con el cine me ayudó a pensar el arte como algo que puede sucederle
a quien lo contempla. En mi cortometraje Shukra, creado para un festival
interdisciplinario, exploré la transformación a través de la relación de una mujer
con una deidad. El festival fue concebido como un laberinto, y me interesaba
cómo atravesar el arte podía modificar el estado de conciencia de una persona.
Mi mudanza a China incorporó la cerámica a mi práctica. Seguí explorando
seres mitológicos, incluidas figuras del folclore bielorruso, pero ahora a través
de objetos físicos. Más recientemente, mi proyecto musical en solitario y el
video Crying dieron forma a una experiencia profundamente personal del amor.
Estos desarrollos me han ayudado a comprender que mi práctica puede
mantenerse coherente incluso cuando cambian sus materiales. Lo que une las
obras es la pregunta que da origen a cada imagen.
Háblanos de tu pasión por la música. ¿Qué significó para ti haber sido
primera soprano del Conjunto Folclórico Litwins?
La música ha estado conmigo desde la infancia. Mi tío fundó y dirige el
Conjunto Folclórico Litwins, que desde finales de los años ochenta se dedica a
reconstruir música tradicional. Crecí rodeada de ensayos, conciertos, talleres y
giras. En casa también escuchábamos discos de vinilo, incluidos los de The
Beatles y The Rolling Stones. La música formaba parte de mi vida familiar y, al
mismo tiempo, era una puerta hacia un mundo mucho más amplio.
De adolescente tocaba la guitarra e incluso tuvimos una banda punk.
Escribimos varias canciones, algunas con letras mías. Más tarde, cuando elegí
la pintura como profesión, dejé la música de lado porque creía que, sin una
formación musical profesional, no podía dedicarme a ella en serio. Con el
tiempo, comprendí que esa idea me había limitado.
Cantar como primera soprano con Litwins fue una manera significativa de
regresar a la música a través del folclore. Una canción arcaica puede alcanzar
algo en nosotros que es más antiguo que nuestra comprensión consciente. A
través de la voz, sentí una conexión con ese mismo mundo arquetípico que
exploro en mi trabajo visual, pero de una forma muy inmediata y corporal.
Un recuerdo especialmente cercano para mí es haberme presentado con el
conjunto en la residencia de China a la que luego regresé como artista
individual. En aquella primera visita, representamos a Bielorrusia juntos a
través de la música. Volver con mi propia práctica artística me permitió ver
cómo esas partes de mi vida permanecen conectadas. Mi proyecto reciente,
Crying, nace de un espacio musical más personal, pero continúa esa necesidad
de dar forma a la emoción a través de la voz.
En un mundo cada vez más polarizado y tecnológico, ¿consideras que
llegará un día en que la inteligencia artificial pueda reemplazar la
creatividad del ser humano?
Creo que la inteligencia artificial puede convertirse en una herramienta
poderosa para crear imágenes y explorar posibilidades. Pero, cuando pienso
en la creatividad, también pienso en la experiencia que hace que una persona
necesite crear en primer lugar.
Para mí, una obra comienza con algo vivido: una emoción que no puedo
apartar, un miedo del que quiero acercarme o una imagen que sigue
regresando sin explicación. Hacer arte es una forma de permanecer con esa
experiencia hasta que encuentra una forma. El resultado importa, pero también
importa el proceso interior que le dio existencia.
En mi conferencia, describo el arte como una especie de meditación centrada
en un estado emocional intenso. Una obra puede conservar algo de ese
estado. Por eso me resulta difícil imaginar que la creatividad humana pueda ser
reemplazada por completo. Nuestra relación con el arte implica saber que otra
persona ha intentado expresar algo desde su propia vida y que nosotros
podemos reconocer en ello una parte de nosotros mismos.
La tecnología seguirá transformando nuestra manera de trabajar y lo que
consideramos posible. Estoy abierta a explorar nuevas herramientas, del
mismo modo que estoy abierta a nuevos medios. Pero quisiera que su uso
permaneciera vinculado a una pregunta artística. Para mí, la pregunta
importante es qué intentamos comprender a través de la obra y por qué
sentimos la necesidad de llevarla al mundo.
Gracias, querida Alesia, por tu tiempo, tu espacio y tu atención. Ha sido un
verdadero placer conocer más sobre tu polifacética trayectoria artística.
Desde esta plataforma, te deseamos muchos éxitos en cada uno de tus
proyectos. Que tu pasión por el arte siga creciendo cada día y que tus obras
continúen llegando a colecciones privadas y públicas. Es un honor darle
difusión a tu maravilloso trabajo artístico.
Nota: la presente entrevista ha sido traducida del inglés al español
mediante Perplexity AI.
Carlos Javier, es escritor nicaragüense radicado en Costa Rica.
Contacto: [email protected]
